漫步在楓丹白露和巴比松(上)

         巴比松位於巴黎東南60公里處是楓丹白露森林邊的一個小村莊,提到這個名字,我們的腦海裡會馬上呈現出一幅風景畫;大自然田園的生命力,楓丹白露森林與眾不同的美,週末的度假地,帝王的狩獵場…1789年法國大革命以後這個小農莊曾劃歸為Chailly-en–biere 鎮的管轄,但到了1903年它徹底分離出來形成一個獨立的市鎮,直至今日都是聞名於世的旅遊勝地。

其實早在18世紀中,就已經開始經常有藝術家來到這個小村莊,到十九世紀,1830年之後的這些年,這裡匯集了我們稱之為“1830年的風景畫家”,“巴比松畫派”這個名詞是直到19世紀末,米勒死後20年才開始使用。

這裡涉及到打開印象派畫家之路的幾代藝術家,這些藝術家是法國風景和動物畫畫家的核心人物,他們對國家的學院藝術失望,並且從1831年到1847年期間他們的作品屢屢被政府沙龍的評委們拒之門外,他們決定不再以歷史、神話宗教主題為藉口繪製風景(這曾經是風景畫最主要的目的),而要畫使人驚奇的“如同她本來樣子的大自然!”

巴比松村的主街

走到村子的盡頭就是楓丹白露森林入口

當時意大利風光的吸引力仍然佔據著強大優勢,而這些畫家開始去挖掘,發現法國本土風景的魅力!他們自由的選擇尋常的主題,描繪田園樹林和日常事物,往往是小尺寸,自然為主角,畫家在自然中寫生但和印象派不同,他們傾向於之後回到畫室里安安靜靜的加工完成他們的作品。這種新的嘗試和表達,把從18世紀開始的“回到大自然的觀念”慢慢變成一種流行。

他們當中的代表人物有:

盧梭(Theodore Rousseau)

米勒(Jean-Francois Millet)

柯羅(jean-Baptiste Camille Corot)

杜比尼(Charles-Francois Daubigny)

康斯坦-特羅雍(Constant Troyon)

安東尼-路易斯 巴里(Antoine-louis Barye)

納爾西斯-迪亞-德拉 貝納 (Narcisse Diaz de la Pena)

迪普雷(Jules Dupre)

夏爾-埃米爾 雅克(Charles-Emile Jacque)

奧古斯特-阿隆仁(Auguste Allonge)

朱爾斯 考涅(Jules Coignet)

德康(Alexandre-Gabriel Decamps)…

這些畫家中的很多人,特別受到荷蘭及英國風景畫家的影響, 像薩洛蒙-凡雷斯達爾(Salomon-Van Ruysdael), 理查-帕克斯-波寧頓(Richard-Parkes Bonington),尤其是約翰-康斯坦布爾(John Constable),他們非常欣賞他在顏色上的運用以及他對自然中的細節的重視與寫實描繪。

1834年鋅管顏料的發明,使得畫家可以在室外面對對像畫上一整天。巴比鬆的生活費用低廉,而且就在農民身邊,這在物質上和經濟上都幫助他們生存下去。這些畫家來到巴比松,都懷著對大自然的愛和要自由創作的共同目標,但他們各自的感受又大相徑庭,美學觀甚至是對立的。

《楓丹白露樹林裡的畫家》朱爾斯-考涅

從1820年,佔有一席之地的右派先驅人物就開始在楓丹白露作畫,比如柯羅、達里尼(Caruelle D’Aligny) 還有保羅-於埃(Paul Huet),這些藝術家難以歸類,他們有很強的個性,遊走法國各地作畫,並不是專門定居在巴比松,但對未來村中的畫家來說他們扮演了“火車頭”的角色,也正是他們讓這個鄉村逐漸成名。

莫伯桑描述了他們這些著名畫家中的一位,他以這樣的方式寫道:“一個老年男子,身穿工作罩衣正在蘋果樹下作畫,他看上去好像個頭很矮,坐在他的折疊登上…他在一個方形的畫布上作畫,慢慢地,安安靜靜地…這位老畫家名叫柯羅”。

《柯羅像》 Nadar

正在戶外寫生的柯羅

柯羅的風景和楓丹白露森林

生活在巴比鬆的另外一位重要的風景畫家就是盧梭;1812年4月15日盧梭出生在巴黎,他是家裡唯一的一個男孩。

9歲開始盧梭就和他的堂兄學畫,上寄宿學校的時候小盧梭就用鉛筆在自己小本子的邊邊角角上畫滿了各種樹木…12歲那年,他的父母把他送到法國東部弗朗什-康地省(Franche-Comte)一個擁有一間伐木廠的朋友那裡,盧梭和工人們一起到樹林裡選擇需要被砍伐的樹木,盧梭也會畫下它們。回到巴黎後,盧梭完成了他一生中第一幅油畫;《蒙馬特山丘的風景》這年他14歲。

《 盧梭像 》杜米埃

年輕的盧梭希望可以成為一名畫家,他的父母把他送到曾獲得羅馬大獎的法國歷史風景畫畫家黑蒙(Jean-Charles-Joseph REMOND)的畫室,盧梭開始學習傳統的風景畫。之後他又成為1819年任國立美術學院教師的全能畫家勒蒂耶(Guillaume-Guillon LETHIERE)的學生。

《勒蒂耶肖像》安格爾

有時為了逃避老師和畫室的約束,一有空盧梭就會跑到巴黎的郊區去寫生,冬天,他就在盧浮宮裡學習、臨摹17世紀風景畫家克勞德-洛蘭(Claude Lorrain)、霍貝瑪(Hobbema)和雷斯達爾(Ruysdael)的作品。

在盧梭的職業生涯初期他就熱忠於風景畫的描繪,他的作品散發著無與倫比的和諧與詩意。在1830年年間他經歷了一次長時間的穿越法國的旅行,而這次長途跋涉就是為了尋找高貴至上的風景並描繪在他的畫作裡。

1831年,19歲的盧梭的第一次入選巴黎沙龍,一直到1835年他都有參加沙龍展因為他“保持傳統”。 1836年這一年,盧梭的《走下侏羅山的牛群》遭到評委非難,入選的期待不能如願,失望的他被楓丹白露森林迷人的風景所吸引,而住在了巴比松

《楓丹白露森林》王志堂

1847年,他在這裡最終定居下來,帶著他在一次成功賣出作品之後的所有家當,在這個村的大街上租了個農場房,房間閣樓改成他的畫室,週六盧梭就在這裡接待他的畫家朋友們:杜米​​埃(Daumier),菲利克斯-澤姆(Felix Ziem),德康(Decamps)還有評論界人士和作家。在1836到1848年間藝術評論界一直都不欣賞他,他寄給沙龍的作品經常都是被拒之門外。一直等到1848年,因法國政府的一幅特殊定件《斷木林邊緣》(或楓丹白露森林的夕陽)盧梭才又被沙龍重新接納。今天盧梭的家成為當地博物館的一部分。作為巴比松畫派的奠基人之一,他是最早,最純粹的畫家代表和領軍人物。

《盧梭像》Nadar 1855

左側這間有天窗的房子就是盧梭的住所兼畫室

盧梭在他那個時代是個讓人欣賞又倍受爭議的畫家。他的藝術全面,他擁有一種獨特之處就是,他既可以按他的意願重現真實自然,同時也可以讓自然充滿浪漫氣息。盧梭的目標就是 “挖掘可見的事物”。為了這個目標他走到自然深處選擇對象,然後以長時間觀察它的這種方法,使之能久久地印在腦海裡,然後他畫好草稿最後在畫室裡憑著記憶完成自己的作品。

在他的作品中,樹木往往佔據著很大的畫面,在他一生的職業生涯中,他無數次描繪樹林尤其是楓丹白露森林,他很喜歡這樣說“我是來自樹林中的人”。盧梭被視為“樹木解剖學專家”,這超出了學院式的練習,樹木本身俱有一種特別的象徵,它是生命延續的化身。盧梭是最早表現慢慢消失的夕陽光線的風景畫家之一。

盧梭畫中人物的身影也引起很多疑問,盧梭不是讓人物在他的畫中完全消失,但他們真是只擁有著一個微不足道的位置,按照阿爾弗雷德-桑歇(Alfred SENSIER)說法,畫中出現的人物縮小到如同一個色點,盧梭想突出的是“可憐的無能為力的人們面對圍繞著他的一望無際的大自然”。

盧梭對自己的作品永遠都不滿意,因為擔心自己的油畫會變化他不斷地修改​​它們,從1839年開始,瀝青的使用(Bitume de Judee:一種礦物質顏料,粉狀或液體狀)就出現在他的作品《走下侏羅山的牛群》裡,它是盧梭很多受損作品的其中一幅。

根據他的傳記人桑歇的解釋,這是盧梭聽取了畫家阿里-謝弗(Ary SCHEFFER,在後面在浪漫主義生活博物館時會詳細介紹)建議,把脂油和以瀝青為原料提煉出的粘稠的液體這兩種混合而成的一種油質,應用於畫面的深處或背景中,它會呈現為一種透明溫暖的橙黃色調,這種做法在當時頗為流行,但隨著時間延長它會讓畫變得越來越暗細節逐漸消失,使用過多會導致畫面顏料層出現無法挽回的龜裂…

《走下侏羅山的牛群》

其實,從中世紀開始這種材料就已經被使用,人們在達芬奇的《岩間聖母》中也有找到這種物質的痕跡。 19世紀上半葉,法國畫家對這種材料的運用非常頻繁,普呂東、安格爾、庫爾貝也都有把它用在自己的畫作裡,但對於保存盧梭的油畫,結果是災難性的。

盧梭在1848年開始重返沙龍,1852年他展出作品《阿普勒蒙的橡樹》並獲得法國榮譽軍團勳章。 1855年是他的事業的頂峰時期,他應邀參加當年巴黎的世博會,並與畫家德康擁有一個展廳。 1866年,盧梭被委任為沙龍評委,同年11月應皇室邀請在貢比涅城堡與拿破崙三世夫婦度過了一周…盧梭也被視為印象派的先導之一,印象派畫家們從他那裡學到了對自然環境和氛圍效果的注重。

《楓丹白露》阿隆仁

帶上你的畫箱來巴比松嗎?現在這裡有比你想像還要多得多

的活動內容:徒步、騎馬、攀岩…

敬請關注先鋒AVANTPREMIER 《漫步在楓丹白露和巴比松》(下)

感謝法國華人旅遊協會王志堂為本期內容提供的精彩照片,下期見!

馬奈在羅浮宮

就像那個年代所有的年輕畫家一樣,馬奈選擇到羅浮宮裡來學習繪畫,但與此同時他又在醞釀著要改變它,這幅M.Caprotti的遺贈,馬奈臨摹提香的作品便可以作為一個例證。 提香的《聖母、聖嬰、聖凱瑟琳和牧羊人》又稱《白兔旁的聖母》創作於1525-1530年之間。 1665年,法國國王路易十四從黎塞留公爵手中購得此畫,1793年羅浮宮開放之時成為羅浮宮博物館的收藏。 臨摹這件16世紀威尼斯畫派名家提香的作品,馬奈選擇了與原作幾乎相同的尺寸,盡可能忠實於原作的色彩讓我們可以肯定這件臨摹完成於羅浮宮。 提香原作  

馬奈臨摹

年輕的馬奈很早就已經開始了這種學習:就在剛剛慶祝完他18歲生日的一個星期後,馬奈拿到了他第一張羅浮宮“臨摹許可證”,接下來在1853年和1859年他又重新申請了兩次。羅浮宮登記在冊由馬奈臨摹的作品有:委拉斯凱茲的《修道士肖像》(Portait de moine)、布歇的《狄安娜出浴》(Diane sortant du bain)

布歇《狄安娜出浴》

還有上面這幅魯本斯的《埃蓮娜-弗赫芒和她的兩個孩子》(Portrait d’Helene Fourment et deux de ses enfants)。然而,出人意料的是,這三張登記在冊的馬奈臨摹的作品如今再也找不到了,而且完全沒有踪跡可尋。與之相反,法國現在收藏的另外三件馬奈臨摹的作品恰恰都沒有在當時羅浮宮的管理部門留下任何記錄… 這三件是16世紀威尼斯畫家的動人作品,我們可以在第戎美術館看到馬奈臨摹的《丁托列託的自畫像》(L’Autoportrait de Tintoret)。

馬奈臨摹《丁托列託的自畫像》

 

在巴黎的瑪摩丹-莫奈美術館欣賞到臨摹提香《朱庇特和安提俄珀》(Jupiter et Antiope)又名《普拉多的維納斯》(La Venus du Prado) 的習作。

馬奈臨摹《普拉多的維納斯》(局部)

如今遵照捐贈者意大利企業家、收藏家M.Bernardo Caprotti先生的遺願,馬奈臨摹的《白兔旁的聖母》與提香的原作在羅浮宮sully館內共同展示。

這幅《白兔旁的聖母》馬奈一直放在他的畫室里長達20年之久,直到1875年才出售給讓-巴蒂斯特否赫(Jean-Baptiste Faure )。讓-巴蒂斯特否赫是19世紀法國最著名的歌劇演員之一,同時也是個收藏家,他非常欣賞馬奈,長期以來都是馬奈的主要買家和資助商。 3年後正是否赫買下了馬奈的《草地上的午餐》,他總共收藏了67件馬奈的作品。

馬奈《讓-巴蒂斯特-否赫肖像》

毫無疑問這位收藏家明顯地察覺到《白兔旁的聖母》中的細節被馬奈巧妙的運用到他自己的重要作品中:比如左側前景中草地上的籃子及水果、中景中右側人物的輪廓曲線,我們甚至還可以多少感覺到提香的影子就隱藏在和《草地上的午餐》同一時期創作的《奧林匹亞》裡:畫中黑人女僕轉頭身體傾斜的姿態似乎就是模仿這裡正在撫摸白兔的聖母。

馬奈《奧林匹亞》(局部)

對於臨摹以往大師作品馬奈非常嚴肅認真,但並不是僅僅停留在仿製階段,臨摹是對提香繪畫的分析和解剖包括方法、技巧、組織、構圖、色彩、空間、敘述等…它是藝術創新的前奏。馬奈具有一種本領;他可以很準確的把握和再現提香作品中的那種詩情畫意,同時他又能夠輕而易舉的將它解體並用現代的方式重構不屑一顧地與之拉開距離。

提香原作和馬奈臨摹比較

就如同提香繪畫在當時所帶來的變革,馬奈畫中赤裸地表現揭露了19世紀社會和藝術的虛偽,這讓人想到,其實有多少威尼斯畫派畫家在他們生活的那個年代又何嘗不是個飽受爭議的革新者。

馬奈的《白兔旁的聖母》今天就擺放在提香原作的旁邊,保持與以往大師的對話讓馬奈找到了屬於他自己的路;19世紀西方繪畫史上的一次重大的革命就誕生在羅浮宮!

申請在羅浮宮臨摹不需要你是專業人士,沒有國籍的限制、無論你是18歲還是81歲,所有人-所有人-所有的人都可以申請到羅浮宮裡來臨摹,而且無需支付任何費用,只要你熱愛藝術,用英語或法語寫一封發自內心的申請信…

請繼續關注先鋒AVANTPREMIER,申請步驟將在今後的文章中再作詳細介紹。感謝您支持先鋒AVANTPREMIER,希望得到您的批評和指正,祝我們的新朋老友2018年新年快樂!

這裡是根特(續四)

根特藝術學院,寧靜的校園就在根特市博物館STAM的旁邊

學院主樓建築遠遠就已抓住了你的心,想去一探究竟

學院設有純藝術、設計、攝影、時裝、音樂等等專業

乾淨利落的教學環境,裡裡外外,藝術氣息瀰漫在每個角落,延續到細枝末節…

想要註冊?
只差你要學好荷蘭語!

現在我們回到聖巴夫教堂,繼續欣賞根特祭壇畫

歌唱的天使和演奏的天使

圍繞在三個中心人物兩側的是兩組天使,或者稱為唱詩班,因為這些天使她們都沒有長翅膀。畫家在這裡把“超自然人物”自然化。

在這裡左邊的在歌唱,右邊的在演奏。她們的服裝、樂器、和地面上的裝飾圖案每個細節都被精挑細琢讓人過目難忘。

在凡-艾克那個時期的聖歌書上的音調都會以圖示的形式標註出來,這就可以讓我們的藝術史人員通過每個天使唱歌時的面部表情和口型來判斷出這是個多聲部的合唱。在畫面邊框上標註著;天使們以詠頌和祈禱的歌向主致敬,管弦樂也來讚美天主的榮耀。

木製唱詩台下方雕刻的是《新約》中大天使聖米歇爾刺殺有著7個頭的惡龍的畫面,這裡惡龍是撒旦的象徵,撒旦想得到上帝的位置,在天主教中,聖米歇爾與惡魔對抗,他是守護神,他是上帝的騎士。

在演奏天使中,坐在管風琴前面正在演奏的是聖-則濟利亞(Sainte Cecile),她被視為音樂家和基督教聖樂的主保聖人。這架管風琴被描繪的精細程度絕對可以讓今天的管風琴製造工匠照著它製作一個完全一模一樣的出來。

聖-則濟利亞華麗的服飾輕輕地垂到鋪著的藍白瓷磚地面上,這些地磚描繪著有宗教寓意的“上帝的羔羊”的圖案,很顯然是為了呼應中央的“羔羊禮讚”的畫面,另一方面,通常在表現施洗聖約翰的時候都會在他的旁邊畫上一隻羔羊。像這樣的瓷磚當時要從西班牙的瓦朗斯(Valence)進口到荷蘭。

在管風琴的後面,另外一個天使拿著豎琴,這個天使的左手輕輕地放在了她同伴的肩膀上好像在告訴這個演奏維奧爾琴的天使’現在到你了’…維奧爾琴又譯為古大提琴,它最早(15世紀末)也是出現在地中海邊的瓦朗斯地區。

亞當和夏娃

在屏畫上層的兩側分別表現了人類的祖先亞當和夏娃,他們兩個被描繪如真人大小,都朝向屏畫中心的三個人物聖母、基督-耶穌和施洗聖約翰。而且相較其它形像都穿著奢華,亞當夏娃是倆個唯一裸體的人物。他們身體赤裸著暴露在光線下,有些靦腆和羞怯,亞當和夏娃真實到讓人不覺得他們是兩個傳說中的人物,他們的目光與其說是絕望,毋寧說是順從,他們接受了從今以後將成為人的現實…

亞當和夏娃這兩個畫面是所有畫裡唯一從觀者的角度來表現仰視效果的人物。左側的亞當被描畫的呼之欲出,身後的神龕又窄又深,他的右腳已經踩到了畫框的邊緣好像馬上就要走出畫屏。

亞當以無花果葉遮擋身體的私處,依據《聖經》舊約創世紀(3:7)提到;亞當和夏娃在伊甸園中吃了“知善惡樹”上的禁果之後,他們因赤裸的身體而羞怯,於是就用​​寬大的無花果樹葉縫成外衣來遮擋身體。而我們經常在繪畫和雕塑中會看到“葡萄葉”的做法是從文藝復興的意大利開始出現的。

夏娃的頭稍稍向右傾,從受光的這一側到陰影的過度自然流暢,她的面頰因為羞澀而微微泛紅。這里夏娃的手中拿著一個枸櫞而不是蘋果,通常人們認為禁果是蘋果,但其實在《聖經》裡根本找不到“蘋果”這個詞,無論是新約《聖經》還是舊約《聖經》即使在《希伯來語聖經》裡也沒有出現過。

“禁果”到底是什麼水果? 《聖經》中除了描述“吃了就會致死”並沒有表明禁果是什麼品種,有什麼顏色什麼味道。夏娃摘下來的是一個“水果”,哪種水果並不重要,但問題來了,當人們要用圖像來表現的時候就要選擇一種水果,大多數人選擇蘋果也不是偶然…公元4世紀末,由耶柔米(Saint Jerome)自希伯來語舊約聖經和希臘語的新舊約聖經翻譯而成的《武加大譯本》中,“知善惡樹”的拉丁文為;Lignum scientiae boni et mali,這裡mali(惡)拉丁文的主格是malum,這個詞有著“罪惡”和“蘋果”兩個含義,只是發音時長短之別,因此造成混淆,既然“知善惡樹”是棵蘋果樹,那麼“禁果”自然是蘋果。

還有一個有趣的敘述,而且這個解釋直接反映在“喉結”這個詞彙上。這個只有男人才有的甲狀軟骨是因為亞當吃下禁果時天主突然出現,亞當情急回答時有一塊蘋果被卡在了喉嚨處…所以“喉結” (Pomme d’Adam法/Adam’s apple英)一詞的直譯就是“亞當的蘋果”

楊-凡-艾克清楚地知道“禁果”不是蘋果,這里夏娃拿著的枸櫞和檸檬的外觀很相似,它被稱為“美好樹的果子”,按照猶太傳經解經,枸櫞樹是唯一樹乾和果實有相同味道的樹。枸櫞還有另外一個名字也叫“亞當的蘋果”,因為在這個水果的外皮上有一處好像被人咬過的痕跡。

在亞當和夏娃的上方我們可以看到兩幅有著浮雕感的單色畫:亞伯(Abel)和該隱(Cain)。首先是夏娃上方的亞伯把他羊群中的第一隻羔羊獻給了上帝,而該隱是種田地的,他把他收成中的一部分奉獻給了上帝。

在亞當頭上方的第二個畫面裡描繪了該隱手拿驢的下頜骨正在殺害他的兄弟亞伯。依據聖經,這是因為該隱妒嫉上帝讚許亞伯的祭品卻拒接了他的…

驢的下頜骨是什麼?

在《創世紀》中亞伯是亞當和夏娃的第二個兒子,他是個牧羊人,他的長兄名叫該隱。在聖經中該隱種地,亞伯看守羊群。該隱給上帝獻上水果糧食,而他的弟弟獻上的是他羊群中新生的小羊和肥肉…上帝很明顯更喜愛亞伯的祭獻而不是該隱的。該隱非常失望和氣憤,遲一些出於嫉妒,他把他的弟弟叫去田野裡,他撲向亞伯並親手殺死了他,亞伯也因此成為了聖經記載中第一個死去的人(他死去時差不多100歲)根據《創世紀》,亞當和夏娃的第三個兒子塞特(Seth)在亞伯死去之後既出生,這時亞當130歲。

耶和華質問該隱的罪行,但該隱抵賴不承認兇殺,上天讓他知道他將被大地詛咒,從此該隱就再不能有收成。據中世紀傳說,該隱是被他的後人在一次打獵時用箭意外刺死。

提香和魯本斯表現的這個畫面

1781年6月,神聖羅馬帝國皇帝約瑟夫二世在欣賞祭壇畫的時候認為亞當和夏娃兩個裸體出現在教堂裡不夠得體,相傳從此之後這兩扇畫屏就被取了下來。

1816年12月19號,教堂把《根特祭壇畫》兩個側翼畫屏(除了亞當和夏娃)以3000荷蘭盾賣給了畫商L.J.Nieuwenhuys。第二年,Nieuwenhuys又將此畫轉手賣給了一個英國畫商兼收藏家愛德華-索利(Edward Solly)。 1821年,普魯士國王腓特烈-威廉三世買下了Solly的收藏是為了贈予即將落成的皇家博物館(今天的柏林舊博物館)。也正是在柏林期間(1894年)祭壇畫6幅原作被鋸開,因為側翼上的畫面都是畫在同一塊畫板上的兩面,這樣在展廳裡很不容易展示,所以在當時一個非常普遍而且很多博物館都採用相同的做法就是;把屏畫從中間鋸開,形成兩個單獨畫面。原畫屏板的厚度為1.5厘米,被鋸開後現在的厚度僅為2到3毫米。為了加固和防止畫屏變形,鋸開後的畫板背面要打磨平坦然後粘貼上木板條,這樣做也為了布展時便於掛放。由於“亞當和夏娃過於暴露”留在根特逃過此劫。

照片中有木條框架的都是被一分為二鋸開過的畫屏


1861年,聖巴夫教堂希望得到比利時政府的經濟援助來購買由米歇爾-庫克希(Michiel Coxcie)臨摹的兩個側翼畫屏,作為交換條件,“亞當和夏娃”原作的所有權歸屬於國家同年,維克多-拉意(Victor Lagye)讓亞當和夏娃“穿上了衣服” 替代原作。現在這兩張也展示在聖巴夫教堂內



ok!休息一下去城裡轉轉

這裡是?

Vve Tierenteyn-Verlent 的“芥末”店。從1790年開始,店家幾代人一直都保持著最初的製作方法,原材料只有:芥末、醋和鹽(沒有油脂),研磨間就設在店中的地下室。據說這個秘方是拿破崙時代一個出生在第戎的近衛隊士兵告訴給了一位漂亮的弗拉芒女子的,從此,就一直沿用下來。法國人覺得“根特芥末”要比“第戎”的沖一些,這就是Tierenteyn-Verlent的秘密了!

芥末買賣的方式像我們小時候雜貨店一樣,可以自己帶罐子來,也可以買店裡的,分量要多少打多少,很環保。如今,芥末還有各種味道可供選擇,無論給親人還是朋友作為手信再好不過。

還有地道“根特芥末豬頭肉”可以試試,或者芥末配上自然風乾9個月以上的“Jambon Ganda ”(根特火腿)…

未完待續

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Christian Dior 夢想設計師

“1947年2月12日還不為人知,13日克里斯汀-迪奧卻已名揚天下”

這是法國女記者、作家、政治人物弗朗索瓦-吉魯(Francoise Giroud)對迪奧處女秀的評論。克里斯汀-迪奧曾一度成為戴高樂之後第二位世界知名的法國人。

已經有30年克里斯汀-迪奧(Christian Dior)沒有在巴黎舉辦過展覽,此次在巴黎裝飾藝術博物館的特別展是為了慶祝和紀念克里斯汀-迪奧高級定制工作坊創立70週年。迪奧是法國最著名的高級定制時裝店家,1946年,迪奧先生在巴黎蒙田大街30號開設了屬於他自己的定制時裝工作間,像所有其它設計師一樣,迪奧的時裝追求高品質,他並沒有想到自己會帶動一場時尚的革命…

1905年1月21日克里斯汀-迪奧出生在離聖米歇爾山不遠的諾曼底小鎮格朗維爾(Granville )一個富裕的資產階級家庭. 迪奧家族當時在諾曼底和布列塔尼地區擁有4間工廠,是生產漂白、洗滌和肥料的大化工生產商。

Dior 牌化肥廣告

1906年,克里斯汀-迪奧的父母買下了一處建在海邊峭壁上有著一個特別名字的宅邸——“玫瑰羅盤”別墅,那時克里斯汀一歲。

克里斯汀在家中排行老二,他還有倆個兄弟和倆個妹妹。這是一個幸福的家庭,他和他的兄弟姐妹們在格朗維爾的家度過了一段美好難忘的童年時光。

克里斯汀5歲那年,他們全家搬到了巴黎16區,這棟由迪奧太太精心裝飾設計的有著英式花園的海邊別墅即成為了迪奧一家人的度假屋。 1814年一戰爆發,在此期間這裡是他們的避難所直到戰爭結束。

克里斯汀-迪奧童年的家,現在為迪奧博物館

克里斯汀-迪奧的父親是個保守和嚴厲的人,他希望自己的子女中可以有一個繼承他的事業,但年輕的迪奧對此並不感興趣。 1923年,18歲的克里斯汀-迪奧進入巴黎政治學院學習,因為他的母親期望他可以成為一名外交官…3年後克里斯汀離開了學校沒有拿到任何文憑。

克里斯汀的夢想是作一名建築師或作曲家,他對藝術的興趣也正源於他的母親——迪奧太太。迪奧太太性情溫和熱愛繪畫、音樂、園藝…她高貴典雅氣質影響著克里斯汀一生的創作,他一直都在尋找這種印象。

克里斯汀-迪奧在巴黎逐漸結識了許多先鋒派的文學、藝術和音樂界朋友,尤其現代詩人馬克斯-雅各布(Max Jacob)他是保羅-畢加索的密友,還有劇作家讓-考克多(Jean Cocteau)《美女與野獸》的作者。

《沒有戴帽子的馬克斯-雅克布肖像》 莫迪里阿尼 1916

《讓-考克多肖像》Jaques Emile Blanche

1928年,克里斯汀-迪奧和他的同伴、畫商雅克-邦讓(Jacques Bonjean)在巴黎第8區的拉-博埃蒂街(La Boetie)34號開設了一間畫廊,他得到了父親的允許和經濟支持,但唯一的條件是;這家畫廊的招牌不能出現迪奧的名字,因為對他父親來說這簡直是羞恥。

1929年經濟危機的浪潮席捲歐美。 31年,克里斯汀的母親剛剛過世不久,他父親錯誤的投機導致破產,工廠被拍賣,克里斯汀的弟弟患病,而且連迪奧童年的家也不得不要賣掉…這一切都給年輕的克里斯汀-迪奧很大打擊。

1932年,克里斯汀-迪奧聯合皮埃爾-考勒(Pierre Colle) 在岡芭瑟亥街(Cambaceres)29號開設了另一間也是他最後一間畫廊,第二年6月,正是在這家皮埃爾-考勒的畫廊舉辦了活躍在巴黎的超現實主義藝術家們的第一個展覽。



在展覽目錄上我們可以看到:讓-阿爾普、畢加索、杜尚、馬克斯-恩斯特、布勒東、雷內-馬格利特、米羅、伊夫-坦基等人的名字及他們的作品,其中薩爾瓦多-達利的雕塑《思憶中的女人》讓人印象尤為深刻,他的油畫代表作《記憶的永恆》也同樣在這裡展出過。

此外,曼-雷的《將被毀滅的之物》和賈科梅蒂的《桌子》等作品都是第一次參加展出,曼-雷並為此展拍下了珍貴照片。

《思憶中的女人》薩爾瓦多-達利 1933

按照曼-雷當年的照片佈置出的展區

但最終這間畫廊也因為經濟危機的影響在1934年關門,畫廊內的所有畫作以極低的價格被出售,其中包括克里斯汀個人收藏的藝術品。

因為負債,之後的幾年時間克里斯汀靠賣一些油畫和他自己畫的時裝素描插畫為生。在他的藝術家朋友的支持下他還給電影和戲劇設計舞台服飾。慢慢地克里斯汀的時裝素描稿開始被讓-巴度(Jean Patou)、蓮娜-麗姿(Nina Ricci)、斯基亞帕雷利(Schiaparelli)、瑪吉-胡夫(Maggy Rouff)和、巴黎世家(Balenciaga)等選用。

1938年,克里斯汀-迪奧作為設計和素描師進入紅極一時的“時裝王子”羅伯-貝格(Robert Riguet)的工作坊。

隨後在41年和皮埃爾-巴爾曼(Pierre Balmain)同時進入巴黎另一間盧西恩-勒龍(Lucien Lelong)的高級定制時裝屋。 1945年,皮埃爾-巴爾曼離開了勒龍的工作室這讓克里斯汀-迪奧也有了要開一間屬於自己的高級時裝屋的想法。

1946年4月,克里斯汀-迪奧有機會與當時法國紡織業巨頭馬哈勒-布薩克(Maral Boussac)相識。在去見布薩克的路上,克里斯汀在巴黎的大街上發現了一個形狀有趣的星型鐵,這似乎是一個幸運的徵兆,一向有些迷信的克里斯汀滿懷信心全力說服面料商布薩克為他的時裝店出資支持…克里斯汀-迪奧成功了!

星形鐵就像迪奧的吉祥物,經常會出現在他的設計裡,他認為這會帶來好運

戰時和戰後物資緊缺的法國,使得人們在服裝面料的用量上也受限制,對於一個女人來說迪奧要用比其它設計師多幾倍的布料來製作一條裙子就已經是一種奢華,精明的紡織商布薩克也深知這一點。

克里斯汀-迪奧的“New Look”和“花樣女人”讓戰後的女士們走出了統一、男性化軍服的約束,他重新喚起了女人們要裝扮自己的渴望;柔和的輪廓、圓潤的胸線、收緊的腰身似花枝、寬大的裙擺如花冠…迪奧要講述的就是19世紀那個年代女人們的高雅裝束。


克里斯汀-迪奧之後的6位藝術總監伊夫-聖羅蘭、馬克-博昂、奇安弗蘭科-費雷、約翰-加利亞諾、拉夫-西蒙、和剛到任不久的第一位女總監瑪利亞-加西亞-基烏里也都秉承迪奧的一貫傳統,永不背離。





除此之外,在迪奧看來,讓一個女性完美的不可缺少的環節就是香氛;“香水是一條裙裝的最後修飾”。 1947年,同樣是布薩克為迪奧的第一款“迪奧小姐”(Miss Dior)香水注資。這款香水也在克里斯汀-迪奧2月12號的第一次春夏時裝發布會上推出。

“時裝設計師是以服飾來裝扮女人,香水師是以一種人們看不到但同時又非常明顯的方式來裝扮和美化女人”,這是迪奧調香師的解析。

克里斯汀-迪奧總是在他家中的花園里工作、設計草稿,而從來不會在巴黎。他需要和自然接觸,花卉和繪畫是他創作的源泉。

迪奧小劇場展區,即便是人偶模型,也都以實際高級定制的手工藝製作完成



迪奧工作間展廳




13米高的晚禮服展廳伴有清新音樂和變幻的燈光

一個“熱愛藝術的裁縫”;迪奧給人們傳達的是一種法式“生活的藝術”…“時尚”可以看作是一種生活的態度…

克里斯汀-迪奧說:“我希望可以讓女士們漂亮,讓她們感到幸福!”

巴黎裝飾藝術博物館 Musee des Arts decoratifs

地址:107,Rue de Rivoli,75001 Paris

電話:+33 01 44 55 57 50

展覽時間:2017年7月5日至2018年1月7日

門票:11歐元

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